La exploración de sonidos ha
jugado un papel importante en cuanto a los nuevos proyectos que han salido
últimamente en estos años dentro de la escena local, tal es el caso que el acto
de indagar o "mutar", hacia otro rumbo se ha convertido en un acto casi natural para
cualquier individuo integrado a la
música, Llasaq, proyecto alterno del guitarrista Ricardo Rodríguez (Stoneath,
Madera Fresca,Spiralarips), junto a Hugo Velásquez Salazar (Bajo) y Coco Herrera (Batería), hizo su debut
oficial hace un año atrás, con bases de
una propuesta sólida acoplada a sonidos
folklóricos combinados con el más letal rock pesado y algunos consientes
balbuceos de psicodelia, muestra de la búsqueda incesante de un punto medio
entre dos mundos, la cual concretan en un primer parte en su primer trabajo
“Rio Caudaloso” (2017, Independiente), trabajo que consta de una corta duración
pero de un gran impacto, dan inicio a las bases de este ambicioso proyecto.
Inicia “Altas consciencias
Queshua-Mismi”, una introducción con sonidos andinos, muestra una faceta
pacifista introduciéndonos por pocos minutos al contexto total del trabajo, la
siguiente “Cotomachaco”, aquí la contundente línea de guitarra nos pega un golpe
en la cara, casi para inmovilizarnos en la secuencia del impacto, “Sachamama”, desde
su introducción logra romper esquemas de tibieza proporcionándonos en el punto
medio del tema una fiel y copada prolongación guitarrista hasta el declive del
sonido.
Con algunas carencias
determinadas en cuanto a la mezcla de la producción, la cual priva de algunos
detalles técnicos a cada tema del EP, sobrepone la calidad en cuanto a
instrumentación de cada instrumento conjugado al nivel de atmósferas creadas
con instrumentos andinos en cada tema, logra orientarnos al rumbo que toma el
proyecto para planes futuros, del cual la inquietud por la fusión sonora con
elementos rústicos y nativos, será el punto de partida para el siguiente nivel.
Excelente, me gusta bastante el
centro de la ciudad, me gusta el cielo arequipeño, mi pelo se pone más chévere
aquí (risas), existe una afinidad por la ciudad por mi abuela, que si bien no
es arequipeña, se crió aquí.
¿Ya habías venido anteriormente?
Vine como baterista tocando con
Space Bee, Zen, y Tenores (de Mabela Martínez), he venido como 6 o 7 veces,
esta es mi primera vez como Ruiz-González.
Vienes promocionando “Move”, tu nuevo disco ¿Nos puedes contar un poco
el camino hacia esta producción?
Es el fruto de un viaje tanto
hacia afuera como dentro mío, tomó tiempo hacer este disco. Tiempo observando
cómo la gente grababa música en otros sitios, aprendiendo todo lo que pudiera
de lo que me rodeaba. Hice una introspección muy fuerte, cuestionándome todo,
hasta lo más fundamental, lo que sé o lo que he creído saber. Y efectivamente,
estaba equivocado en mucho. “Move” significa eso, cambiar paradigmas, moverse,
este disco representa ese viaje.
Ruiz-Gonzalez-Move (2017, Independiente)
¿Cómo defines el cambio de lo que fue tu anterior etapa (Daniel &
The Dead End), a ésta nueva como Ruiz-Gonzalez?
Me di cuenta de lo que tenía que hacer como artista: Abrazar
muchas cosas. Mi ciudad, Lima, que siempre odié, pero que ahora aprendí a
querer. La palabra clave es abrazar. Abrazar grandes cosas que forman parte de
mi identidad. Por ejemplo, no me había puesto escribir muchas canciones en
español sino hasta ahora. La relación de amor odio que tengo con Lima se
traduce en un sonido en alguna medida peruano. Incorporo elementos de música
folklore andino, música negra y criolla de una manera muy “sutil”. Este
lanzamiento tiene un enfoque mucho más visceral, “rojo y crudo”.
¿El disco, sigue una línea o
evocas distintos pasajes dentro de una historia?
No sigue una historia lineal. Hay
un concepto detrás del disco, eso sí. “Move” habla de los estados por los que
pasé durante un periodo intenso de transición, cosas sin resolver hasta ahora
en mi relación con mi familia, con el sexo opuesto, etc.
¿Te hubieras imaginado pasar por esta etapa anteriormente? ¿Lanzar algo
así como lo que has lanzado?
¡Para nada! Ha sido todo muy
repentino. Hace poco formé una empresa, nos encargábamos de musicalizar
películas, y por ganar un poco de plata me fui olvidando de quién era yo como
músico. Al final no gané como imaginaba, y me di cuenta de que lo que menos me
importa es eso. Todo empezó a colapsar cuando tuve que empezar a cancelar
conciertos por hacer otras chambas. Finalmente, en Abril de este año me fui de
mi empresa y me dije que tenía que comenzar a publicar mucho más que antes.
¿Cómo ha sido la aceptación de esta nueva etapa, por parte del público?
El cambio fundamental ha sido,
más que por parte del público, por parte mía, cuando publique mi primer EP
(“This Ain’t Background Music?” en 2013), Salí con la pata en alto, un poco
hostil, reclamando y hablando sobre el estado de la música en el país. Si bien
en cierto mi opinión sigue siendo la misma en más de un sentido (sobre la
situación de las radios, de los locales o de Apdayc), me di cuenta que había
mucho que yo podía cambiar, creo que lo que hice al principio se aproximaba a
ser prepotente, salía a tocar y estaba predispuesto a que la gente no me iba a
escuchar, por ejemplo.
Ahora el nivel de entrega es
mucho más grande. Dejar fuera del escenario ciertas carencias mías y del medio
y concentrarme sólo en conectar hace que pueda dar un show de puta madre. Hay
una mejor interacción con el público y eso ha facilitado las cosas. Estoy
construyendo una relación más estrecha con mi audiencia.
¿Cual Es El Próximo Paso en Esta Nueva Etapa?
Tocar muchísimo en vivo, quizá
grabar un disco en vivo antes de fin de año. Grabar algún videoclip (¡Que
aburrido!), ¿Quién sabe? Quizá si encuentro una manera divertida de grabarlo.
Producir muchísimo, no parar, no quiero estar en mi zona de confort. Quizá
colaborar con algún artista local. Cambiar la puesta en escena de mi show y
tocar con otros músicos…
Hablaste sobre una empresa tuya donde se musicalizaban películas, ¿Hay
alguna posibilidad de retomar el proyecto de acuerdo al concepto que manejas
ahora?
Sí, ósea, no (risas), como te
explico, es algo que quiero hacer cada vez menos. Eso no quiere decir que si
alguien viene con una película buena o interesante voy a decir que no; pero
ahora quisiera hacer cada vez menos, arte de “mierda”, que lamentablemente, por
ahora siendo necesario para pagar las cuentas.
¿Que ha estado escuchando Ruíz-González para la realización de este
disco?
No particularmente ahora, pero
hace un par de años empezó este cambio también en lo musical. Estoy escuchando,
sobre todo música electrónica, y hip hop. Yo era muy cerrado. Miraba con
desconfianza ciertos géneros. Tengo un amigo, Eduardo, él es musicólogo,
siempre me recomienda nuevos artistas. Gracias a él escuché a Hudson Mohawke,
Kendrick Lammar, D’Angelo, The Internet, etc. Ahora he estado escuchando a Roy
Orbison cuando salgo a correr.
También Rafo De La Cuba, que es
lo mejor que hay en nuestra música hoy. La Lá, Alejandro y María Laura, Danitse
o Camille Jackson, que no van tanto con mi onda pero cuyo trabajo respeto
mucho. También Vali Cáceres, un guitarrista instrumental súper bueno que hace
poco lanzo un EP llamado “Connected”.
En este tipo de viajes en otras ciudades, ¿Tratas de conectarte con el
tipo de música que se hace en la localidad?
No he tenido todavía la
oportunidad de conectarme del todo. Me gustaría incluir en alguna producción,
por ejemplo, a una de estas bandas gigantes que tocan en fiestas patronales.
Ahora y para esta etapa he tenido una conexión fuerte con la música negra y
andina, ambas llevan cierta oscuridad y tristeza que resuenan conmigo.
¿Cómo definirías tu performance en vivo?
Durante mucho tiempo me pegaba a
un libreto. Ahora ya ni siquiera uso setlist. Empiezo a veces con un tema pero
de pronto el siguiente concierto, con otro. Toco algún cover que me gusta. Dejo
mucho más lugar a la improvisación durante mi set. Ya no existen versiones
finales en mi trabajo. Todo se mueve. Todo cambia. Como yo.
Ruiz Gonzalez - Move (En Vivo Arequipa)
miércoles, 6 de septiembre de 2017
Cruce Peatonal Magenta
Reseña al segundo Ep “Magenta” de la banda Peatón
Portada del Ep
Con un episodio anterior, que data desde la publicación de su primer EP “27” (2017, Independiente), el conjunto vuelve al ruedo esta vez con una continuación mucho más “Sutil y fresca”, dejando un poco de lado los sonidos vocales con exceso de reverb, para abrir paso a melodías más elaboradas y armónicas, “Magenta” (2017, Independiente), EP lanzado esta semana, nos muestra la faceta de progresión del grupo, contando con tres grabaciones inéditas y una versión remake del trabajo anterior, aquí analizamos parte por parte cada ingrediente puesto en esta receta.
Inicia “Mística Astral", con una sintetizada estructura dance, la perdición en la melodía, la cual sobrepasa al tiempo normal de cualquier estructura similar, nos apega un tanto a la nueva faceta que explora en conjunto en esta etapa, “Sunday Night”, adelanto del EP, (obligado por problemas con el master de producción), nos evoca una estructura acústica, con toques delicados de soft rock y algunos coqueteos del pop rock, en composiciones como esta se logra reconocer con mayor facilidad el aditivo vocal.
El remake de “Mil Años”, tema original de la primera producción, en una versión más simple y de corta duración, sirve como punto de nexo al final del camino, casi una pequeña pausa para lo que viene después, “Magenta”, título homónimo del EP, con una estructura más simple, apegada a la balada rock, logra posicionarnos en la atmósfera correcta, junto a la marchante instrumentación detrás de la melodía de guitarra y voz.
Una instrumentación con mucha mayor trabajo, resulta ser el detalle más resaltante dentro de los cuatro temas, a esto se suma el casi cambio de enfoque del proyecto, mostrándonos una fácil versatilidad, al poder hacer la cosas de una manera indiferente a la anterior, dejándonos con muchas ganas de saber en un próximo lanzamiento, la siguiente y minimalista sonoridad que nos depara a escuchar en un próximo disco completo.
A 8 Años de la publicación de su
primera placa discográfica “Imaginar”, la
banda local Detonador, se lanza otra vez al ruedo y
después de algún periodo, tocando parte del repertorio clásico, se animan a
producir nuevas composiciones y con ello materializar un trabajo completo, Post Data [*](2017, Independiente), el nuevo primogénito del ahora trío conformado por, John Fernández (Voz y Guitarra) Paolo Pastor
(bajo) Manolo Herrera (Batería), nos muestra sonidos acordes a la
experimentación y con ello la madurez del grupo en estos últimos años.
ANÁLISIS DEL DISCO:
Detonador:John Fernández (Voz y Guitarra), Paolo Pastor (Bajo y Coros), Manolo Herrera (Batería).
Inicia el track inicial “¿Y Dónde Estás”, balada de inicio del álbum
un tanto alejada al inicio en las otras dos producciones, le sigue “Es Más Fácil Despertar”, uno de los
primeros adelantos a este trabajo, su versión en estudio logra enfocar los
matices necesarios que por alguna parte fueron esquivos en la conocido versión en
sesión en vivo, “Heavy”, otro de los
adelantos, nos muestra el retorno de la faceta pesada característica del grupo,
“Soñar”, segunda balada del disco,
realzada por un cambio de ritmo en la percusión para descargar energía en el
coro, gozando de arreglos en cuerdas logran poner en punto la calidad del tema,
siguiendo la misma línea otro de los primeros adelantos del disco, esta vez en
una versión más producida.
“La
Alternativa”, con un sonido asemejado al título de la pista, otro
desenfreno sonoro vuelve en “Solo Una
Vez”, con una estructura bastante punk, quizá algo de los nuevos aires que
nos ofrece este disco, “Mi Otro Yo”,
con un potente ritmo consistente del inicio al final, corresponde al primer
adelanto de producción del disco, lanzado como la primera composición del disco
a lanzarse, que tuvo rotación y difusión en diversos compilados de músicas local,
entre los más conocidos “Ciudad Sonora”,
por parte del también blog local “El Blog del Bam” en el año 2015.
Si bien los trabajos de mezcla han quitado parte de la crudeza deseada en cada tema, se logra poner en evidencia, la buena intervención en el trabajo de producción, La banda no ha agendado una presentación formal de disco, pero se aproxima una de las fecha principales este mes presentando el nuevo material este 9 de Septiembre, con llegada desde Lima de las banda GAIA y Estado de Sitio, junto a AIKEN de Chile, y la banda Local Los Death Monkeys.
RESEÑA AL PRIMER TRABAJO DE LA BANDA DISTORSIÓN AVIONES “FUERA
DE CONTROL”
Portada del Disco (Formato Cassette)
”...La alteración de
las imágenes y de los impulsos reprimidos, que se produce antes de que puedan
aparecer en la conciencia y es debida a la acción de fuerzas psíquicas opuestas...”
Durante la década de los años 90,
la escasez de producciones locales, se hizo notoria, uno de los principales traspiés
a la abertura de una publicación propia de manera completa, (un acto casi inusual
en estos días), el principal defecto fue el técnico, en la mayoría de casos no
se contaban con los equipos necesarios para generar una producción musical.
Desde
las bandas locales que datan desde la existencia del género musical en el país,
o el a región, debían hacer el recorrido hasta la capital del país, para concretar
el sueño de la producción completa, muchos
de los casos comprendieron solo en producir singles como muestra del trabajo, fue
también en esos tiempo donde surgieron varios factores para la publicación de
material propio como la autogestión, este fue importante para la realización y materialización
de muchas propuestas, hoy hablamos de una de las primera muestras que rompen el
periodo de inactividad en producciones locales.
ANÁLISIS DEL DISCO
“Aviones Fuera de Control” (1997, Distorsion Records), primer
trabajo de la banda local Distorsion,
cuarteto rock conformado por Diego Masías en voz, Juan Carlos Galdos en
Guitarra, Pablo Masías en Bajo y Coco Herrera en Batería, comprende una de las
ambiciosas producciones locales que datan de esa época, poniendo las bases de una propuesta solida e
original, y con ello su materialización posterior, un disco bastante al rojo
vivo, y como tal es el nombre del conjunto un sonido bastante pesado e
distorsionado.
Diego Masías (Voz), Juan Carlos Galdos (Guitarra), Pablo Masías (Bajo) y Coco Herrera (Batería).
Inicia la homónima “Aviones Fuera de Control”, coincidente
título homenaje a la víctimas de una accidente aéreo en la ciudad, “…gloria a los gladiadores que murieron por
aviones…”, un poco lo que dice esta pista inicial, “Golpe Divino”, uno de los singles de difusión del cassette por
medio de un compilatorio nacional (Mil Gritos Contra el Tedio,APU Records), sonidos
gurutales y riffs crudos son parte de este inusual single, siguiendo la misma línea
nos adentramos a los curiosos cambios de ritmo y riffs más pesados de este
trabajo, con temas como "Un Extraño Baúl", "Hojas de Otoño", las cuales de manera versátil
cambian el curso del tema hasta el final, finalizando la primera cara del disco
se encuentran los temas “Dudas” “No Me
Cambiaran”, “Encuentro Sin Ley”, donde nos adentramos a sonidos más pesados no bastante alejados a la experimentación, un tanto asemejadas al grunge contemporáneo.
Presentación del Formato Casette- PARTE INTERIOR
El otro lado del trabajo inicia
con la violenta y eufórica “El Veneno Te
Consume”, otro de los singles utilizados para la difusión, en este track
juegan un papel importante los asimétricos cambios de ritmo, una optimista y metafórica
línea empieza con “Ciudad Bizarra de Corazón”,
no dejando de lado la contratapa de la propuesta del conjunto con "Historia de Dos
Mundos", los consiguientes temas “Historia
de Dos Mundos”, “Noche Eterna” y “Mujer Tarántula”, nos devuelve a los ya
reconocidos riffs del otro lado, inyectándonos un poco más de la adrenalina y
versatilidad del grupo, con muchos elementos agregados a la malgama sonora del
trabajo, finaliza un homenaje a una distintiva banda local “Los Texao”, y el revolucionario tema “Stone”, versionado de manera fiel a la propuesta del grupo, con
muchos elementos sonoros finales, hacen posible la atmósfera propicia para el
final.
DISTORSIÓN - AVIONES FUERA DE CONTROL (DISCO COMPLETO)
lunes, 28 de agosto de 2017
FUZZ & FAR-FUCSIA
LA HISTORIA DEL SAUCE FUCSIA DE COMFUZZTIBLE
Comfuzztible; Piero Chávez-Velando (Voz y Teclado Farfisa), Joaquín Castañon (Bajo y Coroz), Víctor Abarca (Guitarra y Coros), Coco Herrera (Batería)
A 10 años del primer trabajo
homónimo de la banda Arequipeña de Garage Revival Comfuzztible (2017,Independiente), este año el conjunto logra poner
la bases sólidas y lanza su segundo trabajo de larga duración, hablamos de un
disco nutrido a influencias de música setentera y el característico sonido de
fuzz (siendo parte también del nombre del grupo), pero es en este trabajo donde
explorar en cuanto a sonido, alejándose a las melodías del primer trabajo,
inusuales cambios de ritmos, solo de guitarra extendidos, y una contundente
línea de bajo que juega a pelo en cada tema, el camino hasta este nuevo
primogénito, trajo consigo mucho esfuerzo, en todo este trayecto, se desvela un
trabajo corto (EP), la incorporación
de nuevos integrantes, y las creación de nuevos temas, darían consigo una
duración extensa al nuevo trabajo, “Sauce
Fucsia”, inspirado en arboles propios de la ciudad, nos devela la nueva
cara del grupo, en donde más de una sorpresa se dará al hace rodar el compact y
sentarse a escuchar.
Sauce Fucsia última placa de Comfuzztible (2016, Independiente)
A pesar de haber estado presente
en varios ranking de discos nacional lanzados entre este y el anterior año, no
se había agendado una presentación formal del trabajo, sino hasta el día 26 de
Agosto, teniendo como escenario las instalaciones del centro cultural peruano
norteamericano, donde el grupo logra presentar el espectáculo, significando la
presentación en su totalidad de las nuevas composiciones, tarea sumamente
heroica, y con esa acción también tendrían la responsabilidad de resumir 10
años de carrera esa misma noche, la versatilidad del grupo no sería esquiva,
para lo que prepararon un set list de repaso bastante nutrido, a esto se le
sumaron la aparición estelarde músicos
invitados de la escena local, dándole un valor agregado a aquella velada.
La Noche iniciaría abriendo el
telón con la participación de la banda de fusión/experimental “Liria”,
un cuarteto solido donde la experimentación e instrumentación prolongada
representa su sólida propuesta, haciendo en cada tema, lograr poner la atmósfera correcta, cada emoción y sensación, develando algunas composiciones del
repertorio propio tales como “La Bossa”,
“Magia”, “Concheperal Blues”, “Rayuela”.
Llegaría el ansiado momento para
la presentación del grupo estelar, faltando horas para casi las 9 de la noche,
el cuarteto integrado por Piero Chávez-Velando
(Voz y Teclado Farfisa), Joaquín Castañon (Bajo y Coroz), Víctor Abarca
(Guitarra y Coros), Coco Herrera (Batería), empezarían el espectáculo, “Tema de Comfuzztible”, nos abre el
camino de la noche, el segundo numero en la lista nos abre paso de manera
formal al inicio de la nueva producción desde la pista número uno y asi
sucesivamente “Invasores del espacio”,“Ecos Nocturnos”, “Extraña Piel”, “Calle
Abajo” “Antorchas”, un break nos volvería a remontar al igual que el
comienzo el paso del tiempo para esto llega la primera sorpresa de la noche, la
aparición estelar de Diego Masías
(Distorsión,Los Austin), interpretando un tema de la primera producción
“Déjala”, primer single del homónimo álbum, la segunda aparición comprendería
la aparición de Gustavo De Romaña (Ex-bajista del grupo), donde darían repaso a temas del primer disco y el
primer Ep “Fiesta en el Manicomio”, único
track tocado esa noche del EP, sumado a “Demasiado
Smog”, tema del primer disco.
La tercer y última aparición tendría a Luis
Fernando Quintanilla (Los Viralatas, Dr.
Beat) en batería, con una introducción copada al estilo Gran Funk Railroad,
nos levanta y vuelve a bajar para evocarnos a “El grito”,para luego
dar paso al segundo tema “Tingo Surf”,
luego de este breve repaso, el grupo vuelve a la ruta hacia el final de
la noche con las nuevas composiciones, “Flash”,“Spiral Dance”, “Ese Cristal”, “Césped
Primaveral”, “La Chica del Puente”, logran evocar toda la fuerza y puesta
en escena de la banda en vivo, realzando cada valor del nuevo trabajo, “Revolución” último tema del disco y último
tema de la noche, un intro de percusión bastante apegado a la psicodelia, son
encargados a dar comienzo al inesperado final, poco después se cierra el telón.
Este espectáculo nos muestra una
vez más la energía efusiva del conjunto que en estos tiempos propios de la
evolución y tanto alboroto progresista de acorde a la época, sigue fiel a sus
propuesta de mostrar en su música la influencia del género revival, uniéndose a
la par con varios conjuntos dentro del país que adhieren ese estilo para iniciar
un recorrido en la escena musical, sumamente admirable.
Comfuzztible - Demasiado Smog (Invitado: Gustavo De Romaña)
Comfuzztible - El Libro (Invitado: Luis Fernando Quintanilla)
miércoles, 23 de agosto de 2017
LOS "NIETOS CÓSMICOS" DESDE MARTE
RESEÑA DEL NUEVO SINGLE DE VIDA EN MARTE
Portada del Single
El primer balbuceo de este “One Man Band”, tuvo lugar el mes
pasado con el primer EP del proyecto titulado “Días” (2016, Independiente),
una exploración sonora que desde el primer acorde logra poner las atmósferas correctas para el trayecto, luego de un año (aunque anticipado en la edición física
del EP), llega “Nietos Cósmicos”, la segunda entrega, este inusual Single, ya
que comprende un single con un Lado "A" y Tres Lados "B", nos pone otra vez en
contacto con mucho más de explora de sonidos titulado Vida En Marte.
RESEÑA DEL DISCO
Trabajo antecesor, Días (EP,2016)
Inicia la homónima “Nietos Cósmicos”, quizá el único track
instrumentando del single hecho a banda completa (guitarra, bajo, batería y voz),
aunque el tiempo de duración no sobrepasa los 3 minutos, nos posiciona en la
mixtura acomodada para cada oyente en el mundo inmerso en marte,“…Los
que se atreven por su música solo presionan el botón de "grabar”, Y dejan
que su alma se encargue….”, a este le siguen las respectivas caras "B",
muy particulares en cada aspecto, la primera “Trato Hecho, Rommyna”, un pista acústica sistematizada en un pop
suave, tocada en, corresponde a la segunda parada sonora ya dentro, “Generaciones”, con una aire más
guitarrera, nos evoca a remontar el trabajo anterior, Cierra “El Poder En Tus Manos”, exploración
sonora, alternada con gritos casi alternados a quejas, para devolvernos a la
calma en los últimos tramos del tema, tornándose para volver a la estridente melodía
inicial.
Si bien esta nueva entrega nos
deja algo cortos después del primer volumen, pone a prueba a pesar del cese a este,
todo lo que queda por decir, que sin lugar a dudas, volveremos a escuchar.
